Proyectos de Grado en Diseño

Qui trepitgi la ratlla (Quien pise la raya) es una pieza audiovisual que aborda el juego y la infancia a través de un enfoque centrado en los caminos, las líneas y los rastros. El juego se plantea como una herramienta fundamental para generar recorridos propios y actúa como motor creativo y elemento estructurante del proceso. Mediante dinámicas participativas, los niños se convierten en protagonistas del proyecto, aportando desde su perspectiva y determinando el desarrollo narrativo. El imaginario infantil se integra a través de animaciones e intervenciones gráficas realizadas por los propios niños, con el objetivo de visibilizar aquello que forma parte de su imaginación. De este modo, el juego enlaza concepto y narrativa, construyendo un relato en el que los niños crean sus propios caminos dentro de un universo que ellos mismos han ideado.

Este trabajo aborda críticamente la transformación del Passeig de Gràcia, en Barcelona, donde la arquitectura con valor histórico ha sido progresivamente apropiada como herramienta de marketing urbano. A través del análisis de los elementos arquitectónicos las tribunas, anteriores a 1950, el estudio revela cómo estos elementos, originalmente concebidos como mediadores entre lo público y lo privado, han sido reducidos a iconos visuales al servicio del branding de ciudad y de marcas globales. La investigación combina una revisión teórica sobre arquitectura icónica con un extenso trabajo de campo y experimentación proyectual. Mediante maquetas, ornamentos y una instalación a escala 1:1, recreamos de forma irónica una tribuna y la asociamos con la teatralización característica de esta zona. Este gesto busca cuestionar la instrumentalización simbólica de la arquitectura y proponer una mirada crítica, abriendo debate sobre el rol del diseño en contextos históricos dominados por la lógica del espectáculo.

Els camins de la guerra: cartografia del passat, present i futur es un proyecto que nace a partir de los testimonios de mis bisabuelos, Salvador Costa Montserrat y Miguel Castiella Idoy, participantes y supervivientes de la Guerra Civil Española. A través de sus memorias, recogidas en un diario personal y en Mil días de Fuego, he reconstruido los trayectos que recorrieron durante su servicio militar, poniendo especial atención en los detalles cartográficos que acompañaban sus experiencias. El objetivo de este trabajo es revisar la historia de mis bisabuelos durante la Guerra Civil desde una mirada contemporánea, analizando la cartografía colonial y bélica presente a lo largo de la historia de la humanidad. En un contexto donde el olvido de nuestra herencia histórica es cada vez más evidente, la cartografía se convierte en una herramienta fundamental para preservar y proyectar las vivencias del pasado, estableciendo un vínculo con las generaciones actuales. El estudio de la cartografía colonial y bélica resulta esencial en este proyecto para comprender cómo los mapas se han transformado en instrumentos de dominación social y territorial. Els camins de la guerra culmina con una instalación en la que se presentan los registros cartográficos obtenidos durante las rutas recorridas por mis bisabuelos, que ahora interpreto desde una nueva perspectiva. A través de este proyecto he podido redefinir tanto el significado como el valor de la cartografía, una disciplina que, lejos de limitarse a la topografía, puede construirse también desde la antropología, la botánica o la zoología. En este sentido, la cartografía no consiste únicamente en representar espacios físicos, sino que se convierte en una herramienta para capturar de forma gráfica y visual aquello que vemos, escuchamos, tocamos y sentimos.

Este trabajo surge de una reflexión sobre la mercantilización del cuerpo y la sexualidad en el contexto neoliberal. A lo largo del proyecto, se analiza cómo el consumo ha trascendido lo material para convertirse en una experiencia que involucra ideas, emociones e identidades. Dentro de este sistema, la feminidad y la sexualidad han sido transformadas en productos intercambiables y explotables, limitando la libertad de elección de los individuos y regulando los cuerpos a través de normas impuestas por el mercado. La investigación se basa en el análisis de teorías feministas y filosóficas que cuestionan el mito de la libre elección sobre el cuerpo de las mujeres, la distorsión de los ideales corporales y la instrumentalización del deseo. A partir de estas ideas, la moda se plantea como un medio de crítica visual, utilizando materiales y técnicas que simbolizan la artificialidad, la transformación y la tensión entre lo natural y lo manufacturado. El proyecto no solo busca evidenciar estas problemáticas, sino también generar una reflexión sobre los límites del cuerpo y la identidad en un mundo regido por el consumo. A través del uso de materiales ortopédicos, de texturas que recuerdan a envases plásticos de consumo y siluetas distorsionadas, la colección resultante cuestiona la manera en que el cuerpo femenino es moldeado y explotado bajo las dinámicas neoliberales, abriendo la posibilidad de imaginar nuevas formas de representación y autonomía.

Re-petición es una pieza audiovisual poética que explora la repetición como acción transformadora. A través de una narrativa simbólica construida con granos de arroz, la pieza reflexiona sobre cómo las acciones que repetimos día tras día acaban definiendo quiénes somos. La historia no se cuenta de forma lineal, sino cíclica. Cada escena representa un momento del proceso: la dificultad de empezar, la automatización del hábito, la transformación interna, la elección consciente, la construcción de identidad, la diversidad de caminos y, finalmente, la representación de lo que somos a través de nuestras acciones. Una mirada sensible sobre la repetición, entendida no como rutina vacía, sino como afirmación consciente de nuestra identidad.

Tinc una pedra a la sabata es un proyecto que visibiliza el sufrimiento causado por la pérdida de la propia lengua, con el que los catalanohablantes han aprendido a convivir. Una inquietud que a menudo pasa desapercibida, como una piedrecita en el zapato. Una piedra aparentemente pequeña, que no está a la vista, pero que duele al caminar, un gesto tan natural y espontáneo que provoca dolor, desasosiego e incomodidad. En este caso, el hecho de caminar se convierte en una metáfora de la experiencia cotidiana de vivir en una lengua minorizada. El proyecto se materializa en una pieza editorial que recoge una serie de metáforas visuales construidas a partir de la piedra como elemento simbólico central. A través de la fotografía, se explica y se hace evidente la existencia de este sufrimiento, abriendo la puerta a otras cuestiones significativas que lo rodean. Tinc una pedra a la sabata no habla de política, habla de un fenómeno vital e íntimo que atraviesa el día a día de muchos catalanohablantes.

El trabajo explora la posibilidad de restablecer las relaciones entre procesos naturales y urbanos como herramienta para reestructurar las ciudades contemporáneas. Partiendo de una reconexión con la natura para el bienestar colectivo, el proyecto centra su análisis en el barrio de Horta de Barcelona. Mediante el estudio del vínculo histórico, ecológico y urbanístico del barrio con el agua, se investiga como este elemento ha modelado el territorio y como puede acontecer clave para futuras estrategias de diseño urbano. El estudio combina cartografías críticas, investigación histórica y análisis de las infraestructuras existentes, para entender la relación entre el paisaje hidrológico, natural y la estructura urbana. A través de una ruta que conecta espacios naturales y urbanizados, se pone de relieve el rastro que el agua ha dejado en la configuración del barrio. El proyecto además propone un diseño que potencia la memoria hidráulica y plantea una nueva manera de habitar las ciudades, desde una perspectiva interespecie y ecológicamente sensible. Así, el trabajo acontece una reflexión crítica sobre la desvinculación entre ciudad y naturaleza, y propone imaginar formas urbanas capaces de adaptarse al medio, integrando las especies no-humanas como agentes activos en la construcción de un entorno urbano más equilibrado.

“El alimento vestido: cuando los limones dejan de ser limones” nace de la curiosidad por investigar el mercado desde el ámbito de la moda y explorar todo aquello que lo conforma más allá de su objetivo principal: el comercial. Poniendo el foco en el proceso, se explora en torno al alimento, la prenda, el ser humano y el espacio, y cómo estos dialogan entre sí. Cómo la moda no es del todo ajena a lo que rodea al mercado, y cómo esta puede funcionar como traductora de aquello que tanto caracteriza este espacio: el lenguaje y las relaciones interpersonales que se generan en este microcosmos. Cómo, cambiando la perspectiva con la que miramos nuestro día a día, y a través de un ejercicio que denomino (de)costumbrismo; los limones, incluso, pueden dejar de ser limones.

“Memoria en suspensión” es un proyecto que explora cómo los espacios aparentemente vacíos pueden contener capas de memoria, rastros invisibles e historias latentes, y parte de la casa familiar como espacio de estudio. A través de un contexto marcado por la digitalización, este proyecto nace de la necesidad de repensar cómo habitamos la memoria y cómo se puede reactivar aquello que parece olvidado. Con un enfoque procesual y sensible, el proyecto combina técnicas como la cianotipia, la animación con inteligencia artificial, el video digital y la etnografía familiar para explorar la memoria desde una perspectiva visual y sonora. El dispositivo final articula una pieza audiovisual donde pasado y presente se trenzan: una niña camina por la casa actual mientras conversa con el espacio, como si este le respondiera desde la memoria. Las imágenes del pasado (animadas digitalmente y reveladas con luz solar) emergen a medida que la casa es escuchada, activando así los recuerdos que habitan. Todo el proceso creativo se ha construido desde la experimentación del archivo familiar, la observación fotográfica y la recogida de relatos como forma de activar la memoria de manera íntima y compartida. A nivel formal, el proyecto se despliega como una instalación donde conviven diferentes formatos: el video principal, un video que recoge el proceso de creación del dispositivo que se centra en la realización manual de las cianotipias, un fotolibro con las comparaciones temporales, una mesa con materiales utilizados durante el proceso, una pared llena de cianotipias y una muestra audiovisual de los resultados del dispositivo. “Memoria en suspensión” propone un espacio para pararse, mirar con atención y reconstruir una narrativa propia a partir de los fragmentos. Como la memoria, la experiencia es parcial, emocional y abierta. El proyecto invita a cuidar lo que hemos vivido, darle una nueva forma y compartirlo como gesto de continuidad.

“L’aula és a fora” es un proyecto que explora y tiene como objetivo visibilizar un fenómeno muy poco hablado: el de las escuelas públicas en Cataluña que están en barracones. Gracias al trabajo de campo que protagonizará la investigación, incluyendo entrevistas, fotografía documental y análisis espaciales, enfoco la propuesta desde la intervención en los espacios exteriores, en la piel de los módulos. “No le llames barracones, llámalo escuela modular” pone en evidencia la necesidad de dignificar estos espacios, una incomodidad que se vive entre quienes comparten estas escuelas. Lejos de querer resolver la condición estructural de los módulos, llevo a cabo una práctica en torno a los espacios intersticiales: espacios de paso, sin un uso concreto y con ausencia de identidad. A partir de la construcción de un dispositivo pedagógico, se activa el espacio del patio desde la experimentación, el juego y la colaboración en los pasillos entre barracones, con la participación de la escuela Paco Candel en L’Hospitalet de Llobregat.

KIDDŌ es un proyecto de Diseño para la Salud que tiene como objetivo acompañar a niños con asma para que puedan entender mejor su enfermedad y aprender a gestionarla de forma autónoma y positiva. A través de un enfoque centrado en el bienestar del paciente y mediante la creación de recursos adaptados a la primera y segunda infancia, el proyecto busca hacer más cercano y comprensible un entorno médico a menudo percibido como complejo e inaccesible para los más pequeños. El asma es una enfermedad respiratoria crónica que se caracteriza por la inflamación y el bloqueo de los bronquios. Solo en España, más de tres millones de personas la padecen. De este total, aproximadamente un 10% son niños de entre 6 y 7 años y un 9% adolescentes de entre 13 y 14 años. Se trata de la enfermedad crónica más frecuente en la infancia, y la principal patología infantil responsable de ingresos hospitalarios y ausencias escolares entre los más pequeños. KIDDŌ nace de la voluntad de transformar la experiencia de los niños asmáticos mediante la creación de un sistema de recursos y materiales lúdicos y emocionalmente positivos que combinan información médica, soporte emocional y herramientas prácticas. El proyecto se ha desarrollado a partir de las bases del Diseño de Experiencia de Paciente y el Diseño de Servicio; con el objetivo de minimizar las dificultades que se presentan en la vida de los niños asmáticos mediante la educación y la conciencia del propio cuerpo y enfermedad, consiguiendo que los niños se conviertan en capaces de gestionar de manera más autónoma su condición. Adicionalmente, el proyecto tiene la intención también de trabajar la autoestima en niños que presentan una condición que les limita en distintos aspectos de su vida.

La deriva como herramienta de diseño e investigación. Para ver hasta donde puede tomar decisiones por mi, y donde entran las mías. El détournement, transformar un objeto, sacar fuera de contexto, descolocar, ofrecer un nuevo relato. Estos dos conceptos forman el eje principal del proyecto y el punto de partida conceptual de todos los métodos desarrollados. Diseñar en base a lo que pueda pasar por el camino, dejar las cosas abiertas y que el proceso haga sus cambios.

La cara de un tonto no se olvida es un largometraje en forma de falso documental que adopta la estructura de un making-of sobre una película ficticia que nunca llega a existir. El proyecto se centra en el proceso más que en el resultado final: en las fricciones, torpezas y contradicciones que surgen cuando una familia real, sin experiencia profesional en cine, se reúne para intentar hacer una película. El rodaje se convierte así en un espacio intermedio, donde los participantes no interpretan personajes ajenos, sino versiones exageradas o distorsionadas de sí mismos. La propuesta parte de una práctica previa de vídeos de cumpleaños familiares realizados durante años en un entorno doméstico, lúdico y colectivo. Esa experiencia espontánea da lugar ahora a un dispositivo más consciente y estructurado, que emplea la parodia, el metacine, la improvisación y la ambigüedad entre lo real y lo representado para explorar qué significa hacer cine desde lo cotidiano. El film convierte los errores, las limitaciones técnicas y las tensiones afectivas en parte activa del relato, abrazándolos como una forma legítima de creación.

A lo largo de la historia, el nomadismo ha sido una estrategia de supervivencia, una respuesta al entorno cambiante y a la escasez de recursos. Sin embargo, con la industrialización y el modelo de vida actual, los seres humanos hemos adoptado un estilo de vida sedentario, constituyendo el nomadismo una práctica marginal. A pesar de la paulatina desaparición del estilo de vida nomádico arquetípico, en nuestro contexto contemporáneo donde la movilidad global va en aumento, nuevas formas de desplazamiento y producción de territorio emergen. Concretamente, en grandes urbes como Barcelona. En este contexto, surgen figuras como el chatarrero, el glovero y el mantero: trabajadores que recorren las ciudades en un tránsito constante, respondiendo a lógicas de supervivencia, trabajo y consumo. Estas nuevas formas de nomadismo urbano no responden a la búsqueda de alimentación o recursos naturales, como en el pasado, sino a la necesidad de sobrevivir en un territorio cada vez más explotado y regulado como es la ciudad. Esta colección parte de un estudio etnográfico del sujeto nómada, inserto en la ciudad contemporánea de Barcelona, donde el desplazamiento emerge como una condición esencial vinculada a las lógicas laborales precarias y a la exclusión de este, del sistema formal de producción y consumo. ***CITY NOMADS*** es una investigación que explora la noción del nómada en el espacio urbano contemporáneo, en particular, centrándose en la movilidad y el desplazamiento de estos sujetos para producir. A través de un análisis situado, se despliegan artefactos de diseño que median entre el cuerpo y el espacio, que recogen, problematizan, visibilizan o cuestionan las complejidades de estos sujetos en la producción de la ciudad.

En un contexto donde nuestra realidad está profundamente atravesada por la tecnología, se vuelve indispensable adoptar una postura crítica frente a una relación con lo digital que es cada vez más simbiótica, aunque no necesariamente armónica: una relación marcada por el exceso, la acumulación, la obsolescencia, la distracción y una percepción deformada de lo real. Este proyecto parte de un gesto cotidiano y silencioso: la acumulación de 43,687 imágenes en mi iPhone a lo largo de cinco años. Fotografías repetidas, capturas de pantalla, errores y registros automáticos conforman el archivo infinito que da el punto de partida a esta reflexión. A través de prácticas que ponen en diálogo nuestra relación con lo digital, mi trabajo explora temas como el archivo infinito, la convivencia con la data, la subjetividad postdigital, la memoria fragmentada y la necesidad de nuevos rituales para navegar el mundo en la nueva era. Inspirada por la hauntología, el diseño especulativo y la observación como herramienta crítica, esta propuesta busca imaginar otras formas de estar y construir en lo digital. El resultado se concreta en una constelación de artefactos simbólicos: el documento, la manta, el espejo y el libro, todos proponiendo nuevas prácticas que se entienden como los “nuevos rituales” para transitar entre lo físico y lo digital, donde el diseño se convierte en herramienta de introspección y de observación.

Reflexión irónica y crítica sobre la sociedad hiperproductiva en la que vivimos, utilizando como ejemplo central el espacio oficinista y el papel que juegan los objetos y la vestimenta. En un mundo donde la productividad y la eficiencia son los principales criterios para medir el valor de las personas, es fundamental analizar cómo estos valores influyen en nuestra forma de vivir y trabajar. La investigación propuesta aborda estos temas desde un doble enfoque: por un lado, se pregunta cómo el ingenio personal transforma los elementos cotidianos para dotarlos de nuevos usos; por otro, cuestiona cómo podemos diseñar prendas de vestir más eficientes y prácticas en un entorno que parece no tener límites en sus demandas de productividad.

Desde sus orígenes a finales del siglo XIII en Venecia, la industria del vidrio soplado se ha expandido por toda Europa hasta llegar a la isla de Mallorca, donde la familia Gordiola son pioneros desde hace más de 300 años. Este proyecto de branding no solo es un homenaje a este negocio familiar, sino que es una modernización con perspectiva histórica de su identidad corporativa utilizando como elemento de más importancia una tipografía hecha a medida y diseñada a partir de un antiguo rótulo de la empresa.

Curso: 3º
Asignatura: Proyectos de Diseño de Moda I

Al Marge [Al Margen] es un proyecto de investigación en diseño sobre las periferias urbanas, una revisión crítica sobre la concepción de estas que hace la mirada dominante de la ciudad, entendida como centro, que a menudo las identifica como no-lugar. Este proyecto nace del cuestionamiento sobre cómo el vínculo entre un sujeto y un territorio afecta al significado atribuido a este último. Y, por otro lado, en cómo este vínculo también condiciona la capacidad de observación y la manera de vivir un territorio. Centrándose en la periferia de Barcelona, concretamente en las zonas perimetrales del río Llobregat y las principales carreteras de entrada en la ciudad, el proyecto reflexiona sobre cómo pensamos y habitamos el territorio urbano y semiurbano. La deriva acontece la principal metodología de investigación, observación, y conocimiento del territorio. Estas derivas son registradas con diferentes medios para, posteriormente, conformar una constelación de piezas cartográficas que (re)presentan el territorio más allá del paisaje geográfico.

‘A Frame for Work’ nace de la curiosidad de cómo se puede mejorar y repensar el lugar de trabajo para el bienestar de las personas que lo habitan. Desde la pandemia de la Covid se han creado nuevas formas de trabajar y nuevas necesidades. El paradigma de la vida laboral ha evolucionado. Surge una nueva pregunta: antes de diseñar una oficina, ¿no deberíamos preguntarnos por qué?

Curso: 3o
Asignatura: Infografia II

Esta investigación aborda la evolución histórica del uniforme desde sus raíces militares hasta sus diversas manifestaciones actuales, fuertemente influenciadas por la revolución industrial y la ideología capitalista. Se reconoce la dualidad de las agencias positivas y negativas de los uniformes, y se destacan las diferencias cruciales entre la unión y la uniformidad. En el contexto contemporáneo, todos los aspectos de la sociedad se han vuelto uniformes. El estudio destaca la necesidad de comprender las diferencias entre los uniformes de trabajo, que a menudo niegan la individualidad, y los uniformes de ocio, como es el caso del fútbol, que fomentan la colectividad mientras reafirman la identidad individual.

A través del diseño de una vivienda autosostenible – que actúa como caso de estudio – y se basa en la arquitectura tradicional japonesa y su relación con el entorno, en el desdibujo de interior y exterior, en la indeterminación espacial y espacios flexibles y polivalentes; en innovación a través del Low-Tech, la materialidad y estrategias pasivas; se pone de manifiesto todo aquello que cuestiona nuestra forma de vivir y nos aproxima de nuevo a los orígenes, a la naturaleza. Partiendo de la creación de una retícula que se origina al buscar una compatibilidad entre los tamaños del tatami y los sistemas de construcción modulares y prefabricados actuales, OFF THE GRID! pretende forzar los límites de las nuevas lógicas constructivas para terminar desarrollando un sistema de construcción reticular universal que permita generar infinitas combinaciones.

VESTIGIO es una autoetnografía audiovisual que investiga los rastros culturales a partir del vacío de su presencia debido a una diáspora familiar. El año pasado mis abuelos volvieron a Fangshan, su pueblo natal en China, mientras que el resto de la familia y yo vivimos en Barcelona. A raíz de la ausencia generada por la distancia física, surge la necesidad de viajar con la cámara para registrar un conocimiento tácito que, con su ausencia, había desaparecido en mi hogar. El proyecto reflexiona sobre herencias culturales, migraciones, diásporas familiares, expectativas, idealismos y vacíos generados en un contexto vital situado entre culturas y territorios. El miedo al vacío y‎ a la pérdida de una herencia cultural familiar, como eje central, la búsqueda de los conocimientos tácitos de mis abuelos, como respuesta, se formalizan a través de un proyecto documental audiovisual que pone en valor nuestros propios vestigios culturales.

Curso: 3o
Asignatura: Proyectos III

Este proyecto se centra en la relación con el espacio que tienen las dos disciplinas, en cómo se convierten en recintos habitables y en la importancia del acceso en las diferentes estructuras. Cómo, sin la posibilidad de ocupar el espacio interior, la arquitectura podría ser percibida solo como una escultura y la prenda podría ser vista simplemente como un trapo. Así, la presencia del “agujero” no solo responde a una función práctica de entrada, sino que también establece una conexión vital con la naturaleza humana, satisfaciendo las necesidades de vivienda y protección. A través de esta perspectiva, se llega a la conclusión de que el agujero, como elemento de acceso y vivienda, es fundamental para definir la esencia y el propósito de la arquitectura y la moda.

La teoría queer acuña el término “policía del género” para nombrar los sistemas de control, amenazas y castigos, que articula nuestra sociedad para reforzar un sistema de género binario, y castrar las realidades disidentes. A través de estos sistemas, se establece una dinámica de poder, entre los policías y las perseguidas, las desertoras del bando del binarismo: las tránsfugas. Este pieza editorial actúa como cajón de sastre, recogiendo pensamientos, referentes y experimentos, a través de los que se pone en cuestión qué o quiénes son estos policías, las manos ejecutoras del sistema, y cómo desempeñan su papel. Pero también el de las tránsfugas, y por supuesto, el de todes nosotres, en un ejercicio de introspección, para hacernos preguntas sobre nuestro papel y responsabilidad política y social, ya sea desde un lado del espectro de la normatividad u otro. Forma y contenido se apoyan uno a otro desde la horizontalidad, y a través del diseño como lenguaje, se hibridan generando nuevas ideas.

Rodeo Digital® es un proyecto de diseño crítico que presenta una serie de reflexiones, dudas y frustraciones sobre el statu quo, la naturaleza, y la realidad del diseñador moderno.
Este diálogo aparentemente interminable entre diferentes puntos de vista se materializa a través de una colecciónd e piezas variadas, explorando diferentes formatos y soportes, así como intervenciones entre la naturaleza y la sociedad.

Todas éstas se utilizan como una forma de comunicar al mundo estas frustraciones con la vida cotidiana; como forma de protesta, y de revolución personal, contra el sistema.

"Como en casa ningún sitio” es un proyecto que busca re-pensar los espacios públicos y la manera en la que nos relacionamos en ellos. Las personas que usan el transporte público sufren paradas con corrientes de aire, vandalismo y olores sospechosos. En ellas no se experimenta un solo momento de comodidad y el único lugar donde puedes descansar es en un listón de plástico amarillo.

Esta nueva casa callejera brinda a los transeúntes un rincón acogedor para interactuar, descansar y leer mientras esperan el autobús y navegan por la ciudad, integrándose con el tejido urbano y llevando el contexto de lo privado a las calles.

Premios Habitàcola 2022

Imaginando futuros en la relación entre tecnología y naturaleza, se plantea la extensión de los límites de la biología sintética con la introducción de especies vegetales artificiales que ayuden a mitigar estos impactos. Se utiliza un método cualitativo basado en obras y lecturas existentes, así como en reflexiones obtenidas de entrevistas con expertos en este campo. En el marco experimental, se emplea un proceso de diseño iterativo que incluye la observación, el diagramado, el esbozado y la exploración digital para la visualización de ideas. Este proceso, combinado con el análisis de metodologías para la biorremediación, definen los criterios funcionales y estéticos de las especies sintéticas, buscando traducir estas características en modelos tridimensionales.

(Co)miendo, nace de la necesidad de investigar sobre las relaciones interespecie entre humanos y los demás seres vivos, generando conexiones a través del comer y el cuidado. Esta investigación propone una reflexión, una nueva convivencia y un cambio de paradigma para explorar nuevos caminos hacia las relaciones, cuidados y vínculos, entre los humanos y no-humanos, en el momento de comer. Estableciendo una mirada crítica a partir de un diseño especulativo. Mi objetivo nace de la necesidad de crear un mobiliario para que ocurran interacciones dinámicas en el marco interespecie. Modificando la materialidad y el espacio-tiempo, utilizando el concepto mesa para establecer nuevas conexiones, a través de la acción cotidiana de comer. (Co)miendo, es una investigación en diseño interespecie, donde a través de un nuevo diseño se intenta evidenciar y conseguir un acercamiento cuidadoso con plantas, insectos y bacterias, en los que la materia, el cuerpo y los saberes se ven cohesionados. Este proyecto busca reflexionar sobre las relaciones que tenemos con nuestro entorno, privilegiando los cuidados y fortaleciendo el vínculo con los demás seres vivos en un momento de estar presente, como pretende la acción de comer.

Curso: 3o
Asignatura: Infografia II

Curso: 2º
Asignatura: Iniciación a los Proyectos de Diseño I

Curso: 3o
Asignatura: Proyectos I

Curso: 3o
Asignatura: Proyectos I